BIENVENIDOS AL RINCÓN DEL ROCK & BLUES

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Red House – Red House (1998)

Red House es el resultado de una larga experiencia y amistad entre Jeff Espinoza (ex cantante de Vargas Blues Band) y Francisco Simón.

Spinoza llega a España en 1980 con el grupo californiano “No Justice” y progresivamente se irá integrando en el panorama musical español hasta que ingresa en los legendarios “Flying Gallardos”. Con ellos graba su primer disco en España. Más tarde se convertiría en el cantante de “Vargas Blues Band”, con la que graba tres discos (“Madrid-Memphis”, “Blues Latino” y “Texas Tango”), hasta que decide crear Red House con Francisco Simón.

Por su parte, Simón es un músico muy conocido y respetado en el panorama español. Uno de los mejores guitarristas del país, ha realizado y formado parte de numerosas giras con artistas nacionales de primera magnitud a lo largo y ancho de nuestra “piel de toro” (Cabaret Pop, Duncan Dhu, Miguel Ríos,…), con quienes además graba diversos discos, incluyendo actuaciones en directo. Ha colaborado igualmente con artistas de la talla de Antonio Flores, Rosendo, Julián Hernández (Siniestro Total), Raimundo Amador o José Mercé entre otros.

Pero Enrique Simón también ha trabajado con grandísimos artistas internacionales, entre los que cabe destacar a Jerry Lee Lewis, Willie de Ville, Paul Collins, Kevin Ayers, Kenny Neal, Colin James, Bernard Allison, Johnny Mars, Paul Carrack, o Tom Jones.

Con todo, posiblemente su imagen más recordada está ligada a sus inolvidables colaboraciones habituales en programas de televisión de hace algunos años: “La noche se mueve” (Telemadrid-El Gran Wyoming), “El peor programa de la semana” (La 2, dirigido por Fernando Trueba) y, por supuesto, “Caiga Quien Caiga” (T5, junto con el gran Maestro Reverendo).

La historia de este tándem se remonta a cuando ambos se conocieron formando parte de los legendarios “Flying Gallardos”. Desde entonces, su trabajo juntos ha desarrollado una de las mejores bandas de blues y R&B de Europa: Red House. Una banda sinónimo de fuerza y elegancia cuyo mayor fuerte está en sus actuaciones en directo, en las que derrocha energía y buen gusto, convirtiendo cada concierto en algo único e inolvidable.

Fruto de esta unión, Red House editará su primer disco (de título homónimo) en 1998, constituido por 12 temas propios que siguen la mejor tradición del Blues y del R&B. La repercusión de este trabajo fue lo suficientemente intensa e importante como para que, a partir de ese momento, se viera solicitada su presencia por los más prestigiosos Festivales de Blues en España, Portugal y Francia.

Carey & Lurrie Bell - Dynasty (1989)

En 1988, el sello Británico JSP; reunió a unas de las familias con mas tradición y legado posterior, que halla existido en el Blues. Este gran bluesman y armoniquista llamado Carey Bell, fue padre de cuatro muchachos, quienes seguramente desde muy temprana edad fueron influenciados y no solo por su padre, sino también por su entorno. Músicos de la talla de Eddie Taylor o Jimmy Dawkins, rodeaban a los jóvenes y hasta reconocido por el propio Lurrie en sus propias palabras: “Eddie Taylor fue uno de los que me enseñó a tocar la guitarra. Se sentaba a mi lado y me mostraba lo que yo necesitaba saber”.

Con este tipo de maestros, nada podía fallar y el resultado es mas que contundente, Carey y sus muchachos logran un sonido demoledor, una verdadera e irrepetible muestra de Blues de Chicago, y mas importante aun, un disco que muestra el estilo del verdadero Blues afroamericano. 

Grabado en Chicago por Jerry Soto, y masterizado en Inglaterra por Martín Atkinson, ‘Dynasty!’ ofrece diferentes ritmos como los shuflles ‘what my mama told me’ y ‘ new harp in town’, slow blues al estilo Chicago como ‘sail on’ y ‘going back to louisiana’ y ‘i dont’t need no woman’, tema cantado y tocado por el guitarrista Pete Allen, único integrante que no es hijo del viejo Carey, para completar la variedad se encuentran temas binarios de gran swing como ‘i’ll be your 44’, y ‘I need you so bad’ cantados por Lurrie, y como casi punto más alto del disco una obra maestra, ‘the gladys shuffle’ donde puede escucharse un gran ejecución de un hammond, que no figura en los créditos del personal. Hay que oírlo para creerlo, padre e hijo en su mejor momento.  

The Mike Wheeler Band - The Mike Wheeler Band (2003)

Mike Wheeler es un compositor, vocalista y guitarrista del blues de Chicago. Su primer concierto fue con Muddy Waters. Se realizado con numerosas bandas de Chicago y con artistas bien conocidos del panorama del blues, tales como Koko Taylor, Buddy Guy y Shemekia Copeland. Formó su propia banda que se llamo the Mike Wheeler Band, en 2001. El disco "Self Made Man", fue liberado por Delmark Records en 2012 con un gran éxito por parte de la crítica. Fue incluido en el Salón de la Fama de Blues de Chicago en 2014. Mike Wheeler es un músico fijo y regular en el famoso club de blues de Chicago, Kingston Mines.

Wheeler (Michael Lewis Wheeler) nació en Chicago, Illinois. Su carrera musical se extiende por más de 30 años. Jugó su primer concierto en 1984 con el músico Muddy Waters' piano player, en el Lilly's, a Lincoln Park bar de Chicago. Su madre fue su primera influencia musical en tocar blues (como Muddy Waters y BB King), R & B. 

Mike Wheeler grabaría para numerosas bandas de blues de Chicago, incluyendo a Dave Cadillac and the Chicago Redhots, Sam Cockrell and the Grooves, Nellie Tiger Travis, Big Ray and Chicago's Most Wanted, Big James and The Chicago Playboys, and Peaches Staten and the Grooveshakers. Wheeler realizaria conciertos y giras con conocidos artistas de blues como Koko Taylor, Buddy Guy, Shemekia Copeland, Jimmy Johnson, Son Seals y Willie Kent recorriendo Europa de concierto en concierto, aparte de haber jugado en el Chicago Blues Festival. En 2014, fue incluido en los Chicago Blues Halls of Fame as a Master Blues Artist.

Wheeler formó su propia banda en 2001, la banda de Mike Wheeler. La banda tiene todos sus miembros originales. El bajista Larry Williams era un amigo de la infancia de Wheeler. Ha jugado para el  público nacional e internacional y se le conoce por su presencia en el escenario y su carisma. El batería Cleo Cole comenzó a tocar la batería a la edad de 10 años, estudió en el Conservatorio de Música de Chicago, y se ha presentado ante audiencias internacionales. El teclista Brian James tiene un grado de asociado en Bellas Artes. Fue el director musical de numerosos artistas, como Lonnie Brooks.

Hydra - Hydra (1974)

Hydra fue una de las bandas de Southern rock de los 70, y que no alcanzó el éxito comercial que merecían. Hydra puso en libertad tres excelentes discos entre 1974 y 1977. Se separaron en 1977 y desde entonces han jugado solamente en un puñado de shows en vivo en algunas ocasiones.

Hydra se inició en Atlanta, Georgia, en torno a 1968 por Steve Pace (batería) y Spencer Kirkpatrick (guitarra) y Wayne Bruce (voz / guitarra) bajo el nombre de Noé Mayflower. Ellos cambiaron brevemente su nombre por el de ósmosis antes de tomar el nombre Hydra en 1971, cuando añadieron ha Orville Davis al bajo.

Después de construir una reputación como banda en vivo mediante el apoyo a varias bandas importantes como Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers Band y ZZ Top, Phil Walden los firmó para su sello Capricorn Records en 1973. Hydra fue el álbum homónimo de su debut que salió a la venta en 1974. El productor Dan Turbeville utilizo una sección de vientos (sin el conocimiento de la banda) en el primer disco y con músicos como Chuck Leavell (Allman Brothers Band, The Rolling Stones y Eric Clapton) y Randall Bramblett (en piano y teclados).

Después de años de viajar y de escribir nuevas canciones en la carretera, sacaron su segundo trabajo "Land Of Money", fue lanzado en 1975 y el bajista Orville Davis dejó la banda poco después para lanzar su propia carrera como cantante de country.

En 1976 Hydra firmó un acuerdo con Polydor Records and Rock the World. En 1977, se transformo en una banda de tres piezas con Wayne Bruce conmutando de la guitarra al bajo, pero a finales de 1977, Hydra se separaron sólo para hacer una breve volver en 1997 con un puñado de shows en vivo.

En 2005 Hydra jugó dos fechas más en vivo, que fueron grabados en un disco en vivo llamado Hydra: "Live After All These Years". La banda se cerro por completo en la opción de grabar nueva música bajo el nombre de Hydra en el futuro.

Mississippi John Hurt - Coffee Blues (1996)

"Mississippi" John Smith Hurt creció en la localidad de Ávalon, Mississippi, y aprendió a tocar la guitarra con 9 años. Pasó parte de su infancia escuchando los viejos temas del blues mientras trabajaba como peón de granja en la década de los años 20. En 1923, debutó de la mano de Willie Narmour, sustituyendo a su habitual compañero Shell Smith. Cuando Narmour tuvo la ocasión de grabar con Okeh Records, recomendó a John Hurt al productor de la discográfica Tommy Rockwell. Después de escuchar "Monday Morning Blues" en su casa, el grabó dos sesiones en Memphis y en Nueva York. 

El mote de "Mississippi" se lo puso Okeh en sus promociones. Después de un disco que pasó sin pena ni gloria y la bancarrota de OKeh por la depresión, Hurt volvió a Avalon para trabajar como bracero y tocar en fiestas locales.

Pero a Mississippi, la suerte le da una segunda oportunidad. En 1963, el crítico musical Tom Hoskins, inspirado en sus canciones, fue capaz de localizarlo. Con su guitarra prácticamente intacta, Hoskins anima a Hurt a trasladarse a Washington y volverse a presentar como uno de los padres del blues. 

Como quiera que sus primeras grabaciones coincidieron con la Gran Depresión, su nueva carrera podría vivir una mejor época. Una actuación espectacular en 1963 en el Newport Folk Festival se convirtió en el nuevo ídolo de los seguidores del "folk" y antes de su muerte en 1966, realizó multitud de conciertos (incluso en el programa "Tonight Show") con Johnny Carson. 

También grabaría tres álbumes con la discográfica Vanguard Records. La influencia de John Hurt se extiende en diferentes géneros como el blues, el country, bluegrass, folk o el rock and roll.

Ronnie Earl & The Broadcasters - Peace Of Mind (1990)

Ronnie Earl es un guitarrista de blues, jazz y soul estadounidense. Su fraseo y su forma de ejecución, elegante y sentida, mezclando el sonido del blues (principalmente con el estilo de Chicago y Texas) con improvisaciones propias del jazz, le sitúan como uno de los grandes instrumentistas actuales del blues.

La relación de Earl con la música pudo iniciarse temprano (sus padres intentaron que aprendiera piano con diez años), pero la disciplina exigida por el aprendizaje le repelía. Hasta diez años más tarde, durante su estancia en la Universidad de Boston, no mostraría un serio interés por la música, que en esta ocasión vendría dado por el blues.

En 1973, estando en tercer año de carrera universitaria, tuvo ocasión de escuchar a Muddy Waters en un club de la ciudad. Compró una guitarra acústica, que inmediatamente cambió por una Fender Stratocaster, e inició una intensa práctica que le llevó a dominar el instrumento en un tiempo relativamente corto.

Empezó a frecuentar a los grandes bluesmen que llegaban a Boston (cuando estaban en la ciudad, compartía apartamento con Otis Rush y Big Walter Horton). También viajó a Chicago, donde pasó un tiempo con Koko Taylor, que le introdujo en el ambiente del blues local.

En 1979, Earl fue invitado a unirse al grupo Roomful of Blues en sustitución de Duke Robillard, fundador del mismo. El jump blues revivalista practicado por el conjunto precisaba de cierta sensibilidad jazzística a la vez que de un intenso sentido del blues, y pareció encontrar ambas virtudes en Earl.

Comienza así una colaboración de ocho años que significarían mucho más en la vida de Earl. En el campo profesional, el reconocimiento a nivel nacional como brillante guitarrista se une a una escalada creativa que, como compositor, le llevará a la necesidad de encontrar cauces para expresar su música con voz propia.

El renombre de Roomful como banda de blues iba en aumento, lo cual provocó que fueran solicitados para grabar como grupo de acompañamiento de auténticas leyendas de la música, como Eddie "Cleanhead" Vinson en el disco "Eddie Cleanhead Vinson and Roomful of Blues" (1982), Big Joe Turner en "Blues train" (1983) o Earl King en "Glazed" (1988); todas estas grabaciones fueron nominadas para los premios Grammy, lo que hizo que la fama de Roomful of Blues rebasara los límites del género para hacerse cierto nombre en el mercado de la música convencional.

En 1988 Earl formó oficialmente the Broadcasters con intención de continuidad. El grupo tomó el nombre de la primera guitarra fabricada por Fender. Ese mismo año realizaron su primer álbum, "Soul searchin'", seguido por "Peace of mind" en 1990, y seguida de muchos mas éxitos hasta el día de hoy.

Hound Dog Taylor - Beware Of The Dog (1976)


Theodore Roosevelt Taylor, bautizado así en honor al presidente de Estados Unidos, Theodore Roosevelt "Hound Dog" Taylor fue un guitarrista y cantante estadounidense de blues de Chicago. Taylor nació en Natchez, Mississippi en 1915 (aunque algunas fuentes dicen 1917). En un principio empezó tocando el piano, pero comenzó a tocar la guitarra cuando tenía 20 años, realizó algunas apariciones en el programa radial King Biscuit Time, que transmitía Sonny Boy Williamson desde Helena, Arkansas. En 1942 se mudó a Chicago y se convirtió en uno de los artistas favoritos de las zonas sur y oeste de la ciudad.

Se convirtió en un músico a tiempo completo alrededor de 1957, pero se mantuvo desconocido fuera de la zona de Chicago, donde jugó en pequeños clubes de los barrios negros y también en el famoso mercado de la calle Maxwell. Hound Dog era conocido por su estilo electrificado de guitarra slide muy semejante a la de Elmore James y sus ritmos de boogie estridentes. También fue famoso entre los bluesman de la guitarra por tener seis dedos en su mano izquierda. 

Las llamaradas que salían de su guitarra fueron reconocidas de inmediato como una aproximación a la fiereza del blues más enraizado. En 1970 Bruce Iglauer, quien en ese momento era empleado de envíos de Delmark Records, escuchó a la banda en el Florence’s Lounge de Chicago. Al no poder lograr que Delmark contratara a Taylor y sus Houserockers, tomó 2.500 dólares de su herencia, los grabó y creó Alligator Records en 1971. Esta grabación hizo que Hound Dog Taylor & The Houserockers tuviera reconocimiento a nivel de Estados Unidos y saliera de gira con artistas como Muddy Waters, Freddie King y Big Mama Thornton.

Su carrera artística, sin embargo, fue fugaz como una estrella, y así tras girar con Muddy Waters y Freddie King, graba Natural Boogie en 1973. Dos obras maestras imperfectas, llenas de novedades formales, con sacudidas capaces de remover a Robert Johnson en su eterno descanso. Uno de los más imperecederos manjares que uno pueda llevarse a las orejas. 

El álbum de Hound Dog Taylor and The Houserockers "Beware Of The Dog" fue puesto en libertad por la etiqueta P-Vine, y fue grabado en vivo en 1974, pero se editó poco después de la muerte de Taylor, ocurrida el 17 de diciembre de 1975 debido a un cáncer de pulmón. Cuenta con Taylor en la guitarra y voz. Además, el álbum cuenta con banda de toda la vida de Taylor; Brewer Phillips en la guitarra (quien se encargaba de hacer las líneas del bajo), y Ted Harvey en la batería. 

La banda se hizo muy popular en el área de Boston, donde Taylor inspiró a un joven discípulo llamado George Thorogood. Hound Dog Taylor fue la inspiración para el sonido genuino del sello Alligator, un credo que su fundador intenta mantener hoy día. Aunque Taylor no fuera el mejor de los guitarristas, su música tenía mucho ritmo, mucho sabor y como muchos han dicho después de su muerte, podía tocar basura pero la hacía sonar muy bien.

Thunderhawks - Thunderhawks (2005)

Los Thunderhawks fueron una tremenda banda liderada por Tony Sarno, y contó con las guitarras de Sarno y Eddy Shaver, hijo del legendario Billy Joe Shaver. Su música se clasifica más apropiadamente como Hard Rock con sabor a Southern Rock, cargado con las dos voces tipo "Bon Scott" y con dos poderosas guitarras. Keith Christopher en el bajo y un más que agradable Rick Donnelly en la batería, suministra una sección de ritmo de conducción y que complementa perfectamente a Sarno y Shaver. Las habilidades de escritura de las canciones compuesto por la banda eran puro genio y la energía era alta.

El 31 de diciembre de 2000, Eddy Shaver dejó este mundo a la edad temprana de 38 años. Aparte de la tragedia personal de su terrible pérdida, la muerte de Eddy Shaver también puso fin a la carrera temprana y corta de Thunderhawks, lo que habría sido sin duda una banda de gran éxito. Su única grabación casi se desvaneció en la oscuridad, pero, gracias a los esfuerzos de Tony Sarno tenemos este tesoro absoluto, titulado simplemente los Thunderhawks. 

La portada del CD es de color negro muy simple, muy apropiadamente sólido con "Thunderhawks" en letras blancas, al igual que la cubierta posterior, que muestra una lista de canciones con el mensaje inquietante "RIP" por encima de las iniciales "ES".

Pero, en medio de las cubiertas se encuentran 10 pistas excelentes, que cualquier fan de Tony Sarno encontrará como un conjunto que debe poseer. Sarno, normalmente es el principal guitarrista en sus bandas y da paso a un buen trabajo de la guitarra de Eddy Shaver, mientras que Tony se concentra en el suministro de voces al tiempo que añade una buena dosis de guitarra rítmica. 

Los Thunderhawks nos llevan de la mano con baladas y canciones de amor en este disco, pero están preparados para convertir ésto a medida que circulan por la autopista con las ventanas bajadas y a todo volumen en un viaje eléctrico. Esta música es algo así como mezclar los "ZZ Top con AC / DC".

J.J. Cale - Anyway The Wind Blows (1997)

John Weldon Cale nació en Oklahoma City, más conocido como J.J. Cale, el fue un músico y compositor estadounidense y uno de los fundadores del sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, del rockabilly, del country y del jazz. El estilo personal de Cale ha sido descrito a menudo como «relajado» y sus canciones han sido ampliamente versionadas por artistas como Eric Clapton, Phish, Jerry García, Waylon Jennings, Lynyrd Skynyrd, John Mayer y Bobby Bare.

Creció en Tulsa, Oklahoma y se graduó en la escuela secundaria en 1956. Junto a otros músicos jóvenes de Tulsa, Cale se trasladó a Los Ángeles a comienzos de la década de 1960, donde comenzó a trabajar como ingeniero de sonido en diferentes estudios. Debido a su poco éxito como artista, regresó a Tulsa y consideró abandonar la industria musical hasta que Eric Clapton versionó «After Midnight» en 1970. Su primer álbum, Naturally, estableció su propio estilo musical, descrito por Richard Cromelin en Los Ángeles Times como «un híbrido único de blues, folk y jazz, marcado por surcos relajados, la guitarra fluida de Cale y una voz lacónica. Su uso temprano de cajas de ritmos y su mezcla poco convencional dio una calidad distintiva y atemporal a su trabajo y lo situó aparte del paquete del purismo musical de las raíces del americana». En 2013, Neil Young comentó que de todos los músicos que había escuchado, Cale era, junto a Jimi Hendrix, el mejor guitarrista eléctrico.

Algunas fuenten citan incorrectamente su nombre real como Jean-Jacques Cale. En el documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, el músico habló sobre Elmer Valentine, copropietario de la discoteca Whisky a Go Go de Sunset Strip, quien lo contrató a mediados de la década de 1960 y fue el responsable del acrónimo JJ para evitar confusión con John Cale, miembro de Velvet Underground.

Su mayor éxito en los Estados Unidos, "Crazy Mama", alcanzó el puesto 22 en la lista Billboard Hot 100 en 1972. En el documental To Tulsa and Back, Cale relató que recibió una oportunidad para aparecer en el programa American Bandstand para promocionar la canción. Cale declinó la oferta cuando supo que no podía llevar a su grupo que tenía que cantar en playback.

Cale también fue conocido por su rechazo y aversión al estrellato, a las giras largas, y a las grabaciones periódicas. Fue un artista de culto para los músicos, y relativamente desconocido para el público durante los últimos 35 años.

El lanzamiento de su álbum To Tulsa and Back en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en 2006 y el estreno del documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, acercaron su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el Grammy al mejor álbum contemporáneo de blues en la 50ª edición de los premios en 2008.

El 26 de julio de 2013, Cale falleció en el Scripps Hospital de La Jolla, California, a consecuencia de un ataque al corazón.

Kirk 'Eli' Fletcher - I'm Here and I'm Gone (1999)

Kirk Eli Fletcher nació en Bellflower, California, E.E.U.U. Kirk comenzó a tocar la guitarra a los ocho años, después de ver a su hermano Walter tocar en la iglesia de su padre. A los doce años asistió al Festival de Long Beach Blues donde vio la talla de Albert Collins, Bobby Blue Bland, (acompañado por Wayne Bennett) y The Staple Singers. Esta fue una experiencia que le cambio la vida para él cuando se dio cuenta que esta era la música que quería tocar.

Kirk Fletcher tiene una reputación como intérprete de los buenos que no puede fallar. Su estilo de tocar la guitarra y de cantar nunca deja de provocar escalofríos, y su enfoque único para el blues es a la vez refrescante, moderno y totalmente auténtico. Ampliamente considerado como uno de los mejores guitarristas de blues en el mundo, y desde la humildad y el respeto ha ganado la aclamación de los críticos, compañeros y aficionados de todo el mundo. Kirk es una concesión de la música de los blues y ha jugado con una variedad de artistas populares, entre ellos Joe Bonamassa y un papel de tres años como guitarrista de The Fabulous Thunderbirds. Kirk es también el líder de su propia banda The Kirk Fletcher, después de haber lanzado tres álbumes de estudio y un álbum en vivo. 

Fue en los próximos años que se produjo la introducción completa de Kirk al blues tradicional. Comenzó la búsqueda de otros músicos que compartieron esta misma comprensión, y se encontró con Al Blake, cantante y arpista de Hollywood Fats Band. Al Blake también le ayudó a establecer conexiones con otros artistas de blues famosos de la costa oeste como Junior Watson y Richard "Lynwood Slim" Duran. Así seguido de sus primeros conciertos de Kirk como guitarrista de blues, y finalmente, la grabación de su primer disco "I’m Here & I’m Gone" para el sello JSP de Inglaterra.

Al Blake también introduciría a Kirk en la banda de Kim Wilson and The Fabulous Thunderbirds, quien lo invitó a pasar a su proyecto: The Kim Wilson’s Blues Revue. Wilson trajo a Fletcher aún más en la familia de los blues de California a Texas, y luego ha salir de gira por todo el mundo. 

Un punto culminante durante este tiempo fue en la noche del Antone’s Night Club 25th Anniversary en Austin, Texas, que dio a Kirk la oportunidad de realizar los blues con sus héroes Pinetop Perkins, James Cotton y Hubert Sumlin. Wilson también colaboro con Kirk para jugar en su nominacion al Grammy por el álbum en vivo "Smokin’ Joint". Poco después, le vino una llamada para colaborar con la leyenda del blues Charlie Musselwhite, confirmando que Kirk se estaba convirtiendo para la mayoría en uno de los guitarristas de blues del momento.

Su tercer álbum titulado "My Turn" lanzado por el sello Eclecto Groove fue una declaración audaz hasta el momento, sino que también fue la primera interpretación vocal de Kirk. Esto le permitió crecer y explorar como músico y compositor, sin embargo no tiene miedo de abrir nuevos caminos. Desde entonces, ha estado cantando y llevando su propia la Kirk Fletcher Band.

Dos veces nominado al premio WC Handy y una nominacion a los premio de blues británico del 2015. Ha estado de gira con Lynwood Slim, Janiva Magness, Charlie Musselwhite and The Fabulous Thunderbirds, as well as performing with James Cotton, Pine Top Perkins, Hubert Sumlin, Mojo Buford, Ted Harvey, Larry Carlton, Robben Ford, Michael Landau, Elvin Bishop, Ronnie Earl, Doyle Bramhall, Michelle Branch y muchos más... 

Es considerado uno de los mejores guitarristas jóvenes en la escena del blues en la actualidad.

George "Harmonica" Smith - Blowing the Blues (1960)

George Smith nació el 22 de abril de 1924 en Helena, AR, pero se crió en El Cairo. A los cuatro años, Smith ya estaba tomando lecciones de arpa con su madre. En su adolescencia, comenzó alrededor de las ciudades en el sur y más tarde se unió a Early Woods, una banda de país con Early Woods en el violín y Curtis Gould en a la batería. También trabajó con un grupo de gospel en Mississippi llamados The Jackson Jubilee Singers.

Smith se trasladó a Rock Island, Illinois, en 1941 y jugó con un grupo que incluía Francis Clay en la batería. Hay pruebas de que él fue uno de los primeros en amplificar su arpa. Mientras trabajaba en el teatro Dixie, sacó un viejo proyector de cine de 16 mm, extrajo el amplificador y el altavoz y comenzó a usar esto en las calles.

Sus influencias incluyen a Larry Adler y más tarde Little Walter. Ha Smith le llamaban a veces a sí mismo como Little Walter Jr. o Big Walter. Tocó en varias bandas, incluyendo con un joven guitarrista llamado Otis Rush, y más tarde se fue de gira con the Muddy Waters Band, después de reemplazar Henry Strong.

En 1954, se le ofreció un trabajo permanente en la Sala "the Orchid Room" en Kansas City, donde, a principios de 1955, Joe Bihari de Modern Records (en un viaje de exploración), escuchó a Smith, y hizo que firmara con Modern Records. Estas sesiones de grabación fueron liberadas bajo el nombre de Little George Smith, e incluyeron "Telephone Blues" y "Blues in the Dark". Estos registros fueron un éxito.

Smith viajó de gira con Little Willie John y Champion Jack Dupree en uno de los atractivos y recorridos Universal del blues. Mientras en la gira, Smith grabó con Champion Jack Dupree en noviembre de 1955 en Cincinnati, la producción de "Sharp Harp" y "Overhead Blues". La gira terminó en Los Ángeles y Smith se estableció para pasar el resto de su vida en esta ciudad.

En los últimos años de los 50 grabó para el sello J & M, Lapel, Melker, y Caddy bajo los nombres de Harmonica King o Little Walter Junior. También trabajó con Big Mama Thornton en muchos programas.

En 1960, Smith conoció al productor Nat McCoy que poseía la disqueteras Soloplay y Carolyn labels, con el que grabó diez sencillos bajo el nombre de George Allen. En 1966, mientras que Muddy Waters estaba en la costa oeste de gira, le pidió a Smith unirse a él, y trabajaron juntos durante un tiempo, la grabación para Spivey Records.

De "Smith's" fue su primer disco para World Pacific, un tributo a Little Walter que fue lanzado en 1968. En 1969, Bob Thiele produce un excelente disco en solitario de Smith en Bluesway, y posteriormente hizo uso de Smith como acompañante para su sello Blues Times, incluyendo a T-Bone Walker y a Harmonica Slim. Smith se reunió con Rod Piazza, un joven jugador blanco del arpa y formaron la banda the Southside Blues Band, más tarde conocidos como Bacon Fat.

En 1969, Smith firmó con el productor británico Mike Vernon e hizo el álbum "No Time for Jive". Smith fue menos activo en la década de 1970 que aparecen con Eddie Taylor y Big Mama Thornton. Alrededor de 1977, Smith se hizo amigo de William Clarke y empezaron a trabajar juntos. Su relación de trabajo y amistad continuó hasta que Smith murió el 2 de octubre de 1983.

William Clarke escribio de Smith "Tenía una técnica en el arpa cromática donde jugaba dos notas a la vez, pero una octava aparte. Se ponía un sonido de tipo de órganos al hacer esto. George sabía cómo hacer que sus notas fluyeran, y tomándose su tiempo dejaba que la música se desplegara fácilmente. También se puede matar como un loco y era un artista de primera clase. He oído de un amigo que habían visto a George Smith en los años 50 jugando en un club de Chicago, tocando claqué alrededor de las bebidas de todo el mundo en la parte superior de la barra con su arpa".

"He estado con él en la iglesia y visto jugar la armónica amplificada por sí mismo. Esto fue muy emotivo. Nunca he oído George reproducir una canción de la misma manera dos veces, era muy creativo y lo transmitia directamente de su corazón. Admiraba a todos los grandes músicos, pero tenía su propio sonido y estilo."

"George Smith admiraba mucho al armonicista Larry Adler, y aunque Adler utilizó la técnica de la octava en el arpa, George era realmente la persona que desarrolló esta nota en todo su potencial. Antes del Sr. Smith, nadie en el blues había utilizado esta técnica de octava." 

"Un hombre extremadamente amable y gentil, George siempre hizo todo lo posible para ayudar a otros jugadores de la armónica, a todo el mundo le gusta George Smith. Él jugó un papel muy importante en el avance de armónica en los blues y nunca debe ser olvidado." Se puede escuchar la influencia de George Smith en la mayoría de todos los que juegan con la armónica blues hoy en día, ya sea directa o indirectamente. "es un hecho que ha inspirado a muchos a recoger armónicas diatónicas y aprender a jugar con ellos.

George "armónica" Smith murió en 1983, en Los Ángeles, California, a la edad de 59 años.

Stevie Ray Vaughan - In The Open (1979)

Stephen Stevie Ray Vaughan fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros de blues y el rock en la década de 1980. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas de blues como Albert King, Jimi Hendrix, Freddie King, Buddy Guy u Otis Redding. La revista Rolling Stone lo cita en el lugar n.º 12 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. También se convirtió en elegible para el Rock and Roll Hall of Fame en 2008. La revista Guitar World lo clasificó como n.º 8 en su lista de los 100 guitarristas más grandes. 

A los siete años tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalaron una de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack, quien resultaría un importante referente para Vaughan. Lo escuchó tantas veces que su padre lo terminó rompiendo (por envidia, puesto que él era un músico frustrado). 

Stevie continuó tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entró a la escena del blues en Austin, Texas. En un amor de verano de 1970 formó su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 dejó la secundaria y se mudó a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue". 

Hacia septiembre de 1977 Stevie Vaughan formó su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Posteriormente, en 1985, se uniría un cuarto integrante a la banda, Reese Wynans, un virtuoso teclista. 

Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival. 

El 27 de agosto de 1990, poco antes de la 1:00 de la madrugada, un helicóptero que llevaba a Stevie Ray Vaughan de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Mueren las cinco personas que iban a bordo. En una investigación posterior donde se esclarece que el accidente se debió a un error del piloto. 

John Mayall & Eric Clapton - BluesBreaking (1965-1966)

John Mayall es un cantante Inglés pionero en el blues, compositor y multi-instrumentista. Su carrera musical se extiende por más de cincuenta años, pero el episodio más notable se produjo durante los años 60. 

Fue el fundador de John Mayall & the Bluesbreakers y como talentos dotados ha tenido una gran influencia en las carreras de muchos instrumentistas, incluyendo a Eric Clapton, Jack Bruce, Peter Green, John McVie, Mick Fleetwood, Mick Taylor, Don "Sugarcane" Harris, Harvey Mandel, Larry Taylor, Aynsley Dunbar, Hughie Flint, Jon Hiseman, Dick Heckstall-Smith, Andy Fraser, Walter Trout, Coco Montoya y Buddy Whittington.

Como la mayoría de los fanáticos de blues británico de los años 60, John Mayall tomó sus señales principalmente de las estrellas de la escena eléctrica de Chicago blues. Tanto con los Bluesbreakers y más tarde por su cuenta, Mayall ha desempeñado un papel importante en la introducción de audiencias blancas al blues eléctrico. 

Fue un líder en el emergente movimiento de blues-rock y sus bandas fueron un terreno de prueba para principios de una serie de futuras estrellas: Eric Clapton y Jack Bruce de Cream; Mick Taylor de los Rolling Stones; Peter Green, John McVie y Mick Fleetwood de Fleetwood Mac.



Eric Patrick Clapton, es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds y con el de "God" ("Dios") desde su época con Cream.

Clapton es el álbum 19 de estudio del guitarrista y cantautor Eric Clapton. Fue lanzado el 27 de septiembre de 2010 en el Reino Unido y al día siguiente en los Estados Unidos. El álbum es el primer álbum de estudio de Clapton en cuatro años después de su dueto con JJCale en The Road to Escondido (2006), y se compone de una mezcla de material nuevo y canciones de este álbum, como "Rocking Chair" y "When Somebody Thinks You're Wonderful" en vivo en la gira. Clapton dijo: "Este álbum no era lo que pretendía ser en absoluto. de hecho, es mejor de lo que estaba destinado a ser porque, en cierto modo, me acaba de dejarlo pasar". 

Clapton debutó en el número siete en el UK Albums Chart, su mejor álbum de trazado en el gráfico desde Reptile desde 2001. En los Estados Unidos entró en el Billboard 200 en el número seis, vendiendo 47.000 copias en su primera semana en la carta. El álbum alcanzó el top cinco en Austria, Dinamarca, Alemania, Noruega, España, Suecia y Suiza. 

Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirds, de Cream y por su carrera en solitario. En opinión de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas de la cultura de masas más respetados e influyentes de todos los tiempos. 
Aparece en el puesto número 2 de la lista "Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone4 y en el puesto número 55 de su especial "Inmortales: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos". 

Además, en 2005 la revista Guitar World incluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos.

Maggie Bell - Queen Of The Night (1974)

Maggie Bell nació en Glasgow en el seno de una familia de músicos.En su adolescencia cantaba con las bandas locales de baile, marchándose a mediados de los años 60 a cantar en las bases aéreas de EE.UU.en Alemania. Mas tarde vuelve a Escocia, y junto con la banda del guitarrista Leslie Harvey, (hermano menor del famoso Sensacional Alex Harvey Band) formó un nuevo grupo llamado Power que más tarde se convertiría en Stone The Crows. 

Junto a Maggie y Leslie están Jim Dewar (que mas tarde se uniría a Robin Trower) al bajo, Collin Allen a la batería y John McGinnis al teclado. Tras un primer periodo, Peter Grant, manager de Led Zeppelin se hace cargo de ellos. El grupo destaca con sus dos primeros discos "Stone The Crows" y "Ode to John Law" ambos en 1970 y convirtiendo a Les Harvey en uno de los mejores guitarras de la escena musical británica de este tiempo. En 1971 McGinnis y Dewar se van de la banda y sus puestos son suplidos por Ron Leahy y Stephen Thompson respectivamente (Thompson proviene de los Bluesbreaker´s de John Mayall). 

El álbum "Teenage licks" en 1971 mantendría el estrellato de Maggie que sera proclamada mejor solista inglesa de 1972. En este año Leslie muere accidentalmente electrocutado en el escenario en una actuación en la Universidad de Swansea por una descarga de un micrófono, este hecho hace que los Stone se separen pero un tiempo después Maggie reúne al resto del grupo incorporando al guitarrista escoces Jimmy McCulloch, completando con él el álbum "Continuous performance" (1972) que Les Harvey tenia casi acabado antes de morir pero la banda se rompió después de un año. 

Maggie Explica: "Cuando murió Leslie,la banda nunca fue la misma. El grupo siguió por un tiempo de acuerdo en que era el final de una era. Jimmy McCulloch terminara uniéndose a los Wings de Paul McCartney, Colin Allen a Focus y Stephen Thompson destacara como músico de estudio, Maggie Bell por su parte inicia una carrera en solitario en Estados Unidos con "Queen of the night" (1974), "Suicide Sal" (1975) y Great rock sensatión" (1977). 

En 1980 Maggie es la cantante solista de Midnight Flyer grupo en la que le acompañan Dave Dowle a la bateria, Anthony Glynne a la guitarra, Tony Stevens al bajo, y John Cook a los teclados que fue sustituido por Chris Parren para la grabación del único disco de la banda "Midnight Flyer" (1980), entre 1982 y 1983 grabara numerosos sencillos para Swan Song Records, y el tema "No mean city" para la serie policíaca de TV "Taggart", en 1984 colaborara en dos temas de "Crimes of passion" de Rick Wakeman. "Crimes of the heart" (1987) es su siguiente disco de larga duración en solitario, después en los 90 sus mas importantes trabajos seran "Wind In The Willows Rock Concert" (1992) y "Wizards Convention" (1997), ambos en colaboración con Eddie Hardin. 

Actualmente Maggie Bell vive en Rotterdam, Holanda, continua grabando y actuando en directo ante un publico rendido a su fuerza y su carisma, donde el "Tributo a Frankie Miller" (2003) es buen ejemplo de ello, por lo que indudablemente Maggie es una autentica bestia del rock.

Eddie Taylor - I Feel So Bad (1972)

Edward Taylor nacio en Benoit, Mississippi, y fue un guitarrista y cantante estadounidense de blues. Cuando era niño aprendió a tocar la guitarra y pasó sus primeros años tocando en lugares alrededor de Leland, Mississippi, donde enseñó a su amigo Jimmy Reed a tocar la guitarra. Con un estilo de guitarra profundamente arraigada en la tradición del Delta de Mississippi, en 1949, Taylor se mudó a Chicago.

Con un estilo de guitarra profundamente arraigado en la tradición del Delta Blues del Mississippi; Taylor nunca alcanzó el estrellato de algunos de sus compatriotas en la escena del blues de Chicago, sin embargo fue una parte integral de esa era y fue especialmente conocido como acompañante principal de Jimmy Reed. 

Eddie Taylor fue uno de los mejores guitarristas del blues de Chicago tradicional, se encontró en su niñez con Charlie Patton, Son House y posiblemente con Robert Johnson. Siguiendo su ejemplo, creó una pequeña formación con su vecino Jimmy Reed. Después de la guerra se trasladó a Memphis y luego a Chicago. En esta última ciudad, sus cualidades de guitarrista rítmico le permitieron acompañar a Muddy Waters, John Lee Hooker, Elmore James, Big Walter Horton entre otros.

El hijo de Taylor, Eddie Taylor Jr. guitarrista de blues de Chicago, su hijastro, Larry Taylor, es un gran baterista y vocalista de blues, y su hija Demetria es una cantante consumada del blues de Chicago. Vera Taylor, la esposa Eddie Taylor, era sobrina de Eddie "Guitar" Burns.  

Taylor murió el día de Navidad en 1985 en Chicago, a los 62 años, y fue enterrado en una tumba sin nombre en el cementerio de Restvale en Alsip, Illinois. Fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Blues en 1987.

Ralph Willis - Carolina Blues (1946-1952)

Ralph Willis nacio en Piamonte, fue un cantante, guitarrista y compositor de blues estadounidense. Algunos de sus registros fueron puestos en libertad bajo seudónimos, como Alabama Slim, Washboard Pete y Sleepy Joe.

Willis nació cerca de Birmingham, Alabama. A finales de la década de 1930, Willis se mudó a Carolina del Norte y comenzó a tocar junto con los músicos que estaban familiarizados con Blind Boy Fuller. Willis grabó su material de debut en 1944, y continuó hasta 1953, la emisión de cincuenta pistas a través de varios sellos discográficos, incluyendo Savoy, Firma, Siglo 20, Abadía, Jubileo, Prestige, Par, y King Records.

Al igual que Gabriel Brown, Alec Seward y Brownie McGhee, Willis se trasladó a Nueva York. Willis grabó originalmente por separado, pero las demandas de los sellos discográficos usaban en aquella época más frecuentemente con acompañamiento. Judson Coleman se unió a Willis en sus grabaciones del siglo 20, y en 1949, McGhee fue empleado. Sus últimas grabaciones utilizan tanto McGhee y Sonny Terry.

Willis empleó una gran variedad de estilos musicales, desde blues lentos a las pistas de baile uptempo. Sin embargo, él rechazó la creciente popularidad de los populares-blues y R & B, pero las grabaciones posteriores se inclinaron mas a su estilo de guitarra hacia la resonancia en pleno auge de Lightnin' Hopkins. Willis murió en Nueva York en junio de 1957.

Dr Feelgood - Singles: The U.A. Years (1989)

Dr. Feelgood es un grupo originario del Reino Unido, formado en 1971 y que alcanzó su mayor popularidad a mediados de la década de 1970. Con un repertorio basado en rhythm and blues, encabezaron en Londres el género del pub rock, reacción al auge del rock progresivo y del glam rock, y que el punk reconoce como una de sus fuentes de inspiración. Concebido como cuarteto —cantante, guitarra, bajo y batería—, por la formación han pasado más de una docena de músicos diferentes y ninguno de sus componentes actuales pertenece a la original.

El nombre de la banda deriva del término usado en la jerga británica para referirse, indistintamente, a la heroína o al médico poco escrupuloso recetando fármacos. También hace referencia a la canción "Dr. Feel-Good" (1962), blues grabado por el pianista y cantante estadounidense Willie Perryman bajo el seudónimo Dr Feelgood & The Interns, y versionada por varios grupos de beat británicos en la década de 1960.

La banda procede de Canvey (condado de Essex), una isla al este de Londres en el estuario del Támesis. La formación inicial estaba encabezada por el cantante Lee Brilleaux y el guitarrista Wilko Johnson, y junto a ellos la sección rítmica formada por John B. Sparks («Sparko») como bajista y John Martin («The Big Figure») en la batería.

Dr. Feelgood se encuadraba en la corriente musical del pub rock, género surgido a principios de la década de 1970 y circunscrito inicialmente a las inmediaciones de Londres. Esta corriente pretendía retornar a los esquemas más básicos del rock, propios de sus inicios, como reacción al rock progresivo y el glam rock, modas predominantes de la época. Con sus compañeros de movimiento compartían la fórmula del rhythm and blues; pero a diferencia del resto, sus modales eran fieros y agresivos y su volumen y ritmo frenéticos anticipaban el punk. Su aspecto e indumentaria eran también llamativos: mientras que las demás bandas, cuando salían al escenario «parecía que hubieran pasado la tarde haciendo alfarería en el jardín» y que «necesitaran de un afeitado y depilado», los músicos de Dr. Feelgood «parecían maleantes endomingados con chaqueta», recién llegados «de un funeral de gángsters».

En sus comienzos, el grupo basó su reputación en sus enérgicas interpretaciones en directo: ya en 1973 se habían convertido en la banda favorita del circuito de conciertos londinense. Y sus propios seguidores veían difícil que pudieran capturar su excelente sonido en el estudio de grabación. Aun así, sus dos primeros álbumes, Down by the Jetty (1974, con el sencillo Tequila) and Malpractice (1975) tuvieron un buen resultado comercial.

Fue sin embargo Stupidity (1976), un álbum en vivo, el que les catapultó al éxito. Con él alcanzaron el número uno en las listas británicas, en las que se mantuvo durante nueve semanas. Sneakin' Suspicion (1977), su siguiente álbum de estudio, llegaría al número 10. Es entonces cuando Wilko Johnson decide abandonar el grupo a raíz de sus diferencias con sus compañeros, en especial con Brilleaux, sobre las canciones que debían haberse editado en el disco. Le sustituirá John Mayo («Gypie» Mayo). Ni el grupo ni Johnson en solitario consiguieron mantener su anterior nivel de popularidad, aunque la nueva formación disfrutaría de otro éxito con el sencillo «Milk and Alcohol» (1979).

Joe ‘Guitar’ Hughes – Down & Depressed Dangerous (1993)

Joe "Guitar" Hughes fue un músico de blues estadounidense, de Houston, Tejas, Estados Unidos. Joe Hughes no era tan conocido como sus compañeros Albert Collins y Johnny Copeland, pero él era un sólido bluesman eléctrico con una discografía formidable.

Hughes fue inspirado por Clarence "Gatemouth" Brown y Johnny "Guitar" Watson - "cualquier persona que tuviera fuego en su alma y sentimiento por los blues". Su primera banda fue The Dukes Of Rhythm en la década de 1950, que también incluyó a su amigo Johnny Copeland. Trabajó también con Little Richard y Bobby Bland's Band en la década de 1960.

Realizo una gira en Europa a partir de la década de 1980 y puesto en libertad Texas Guitar Slinger para la etiqueta holandesa Registros Double Trouble en 1986. El álbum incluyó una pista en vivo con Hughes y el guitarrista Pete Mayes, y fue lanzado por la etiqueta Black Top Registros en 1989. 

Después de medio siglo de tocar blues, Joe "Guitar" Hughes falleció el 20 de mayo, 2003, después de sufrir un ataque al corazón.

Sherman Robertson - Here & Now (1996)

Sherman Robertson nacido en Breaux Bridge, Louisiana, Estados Unidos. Es un guitarrista estadounidense de blues, compositor y cantante, que ha sido descrito como una parte de los blues del pantano, una parte de blues eléctrico y una parte clásica de rhythm and blues.

Robertson nació en Louisiana y se crió en Houston, Tejas. A la edad de 13 años, observó una actuación en la televisión por Hank Williams. Debidamente inspirado y equipado con una guitarra barata comprada por su padre, comenzó a tocar las canciones previamente realizadas por Freddie King y  Floyd London. Como vivía cerca de la  Duke/Peacock recording studio, Robertson tuvo la oportunidad de familiarizarse con algunos de los músicos que grabaron allí. Al mismo tiempo, en sus últimos años de adolescente Robertson tocaba en una banda en diferentes bares de Fifth Ward, en el barrio de Houston.

En 1982, Clifton Chenier vio la banda de Robertson en el Festival de Blues de Crosstown. Robertson se movió de nuevo a Luisiana, aprendió a tocar la guitarra slide, y recorrió durante varios años en la década de 1980 jugando junto con Chenier. Robertson contribuyó con los álbumes Live At The (1982) y San Francisco Blues Festival (1985). Después de la muerte de Chenier, Robertson jugó con Rockin' Dopsie, que aparece en el álbum Crowned Prince Of Zydeco (1986), y Terrance Simien & the Mallet Playboys, antes de ir por solitario.

Además, el trabajo de guitarra de Robertson apareció en el álbum de Paul Simon's Graceland, y él estaba en la factura en 1994 en el Notodden Blues Festival. Robertson lanzo I'm the Man (1994) como su primera versión para la etiqueta Code Blue. Fue nominado para los W.C. Handy Award, para la canción "Here & Now", del album Robertson's follow-up, Here & Now (1995). En noviembre de 2005 lanzó  Guitar Man con su nueva banda de acompañamiento, BluesMove.

En 2008, Robertson y BluesMove jugaron en el Harvest Time Blues festival en Monaghan, Irlanda. En 2011, Robertson y BluesMove aparecieron en el Rhythm Festival en Bedfordshire, Inglaterra. 

En 2012, un concierto propuesto en Gaildorf, Alemania, fue cancelado después de que Robertson sufriera un derrame cerebral.

Big John Wrencher - Big John's Boogie Plus (1974)

Big John nació en Sunflowers, Mississippi, y desde muy chico, la música, y en especial el country blues lo tenía obsesionado, una armónica fue la puerta para que este pequeño empezará a codearse con el mundo del blues.

Durante la década del 40‘ y 50‘ Big John recorrió los caminos polvorientos de Arkansas y Tennessee, en 1958 al tener un accidente automovilístico Big John pierde el brazo izquierdo, y a principios de los 60‘ se muda al norte de la ciudad de Chicago para instalarse rápidamente en la calle Maxwell, los domingos las funciones callejeras de blues comenzaban a las 10 de la mañana hasta aproximadamente las 3 de la tarde, casi sin descanso ya que ese día en especial era cuando más recaudaban. La Maxwell Street entre la década del 20‘ al 60‘ era el gran Mercado abierto de la ciudad de Chicago y sus alfitriónes fueron varias leyendas del blues, como ser Little Walter, Earl Hooker, Hound Dog Taylor y otros. Varios de estos artistas de blues se transformaron en profesionales del género y otros eran meros aficionados, pero todos debían pasar por la calle Maxwell para demostrar que ellos tenías en la piel el sentimiento llamado blues.

A pesar de tener una disminusión física Big John era un mago de la armónica, ya que la falta del brazo no era impedimento para atacar la armónica y sostener a la vez un pesado micrófono. El sonido de Big John era el clásico de los Juke Joint del Mississippi totalmente amplificado con la formación de batería y guitarra de fondo acompañándolo a él cantando y tocando la armónica. 

Este desconocido artista en la época en que la Maxwell Street era el gran mercado al aire libre le imponía a sus shows una gran actuación, era un gran frotman, lo que provocaba en la gente, ganas de moverse y bailar constantemente, lo cual les permitía, que la caja de cigarros se fuera llenando de dólares para sobrevivir. Pero a pesar de sus grandes actuaciones, desafortunadamente su discografía es realmente muy pobre. 

Al parecer sus primeras grabaciones se realizaron en la década del 50‘ en una session con un chico de Detroit llamado Baby boy Warren, lamentablemente estas grabaciones se han perdido, en los 60‘ graba para el sello Testament avalado por Robert Nighthank, que era nada mas y nada menos que una de las estrellas principales de la Maxwell Street, pero otra vez estas grabaciones están en un estado muy fragmentado.

A principios de 1970 un productor llamado George Paulus que trabajaba para el sello Barrelhouse lo utiliza para acompañar a varios artistas de slide guitar. Entre idas y venidas por la calle Maxwell y la participación en varios festivales de blues en europa, Big Joe decide ir a visitar a su familia y varios amigos al Mississippi, a su tierra. Mientras compartía historias con sus amigos en la Peluquería de Wade Walton’s y tomaba unos whiskys, decide ir a hacer unas compras en Clarksdale, cae abruptamente victima de un ataque al corazón a los 54 años de edad. 

Cuenta la leyenda que el vaso y la botella de whisky que estaban compartiendo en el babershop, esta en una repisa como esperando que ese artista que se fue, en algún momento, vuelva para seguir compartiendo historias y sonidos del sentimiento más genuino llamado blues.