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    BIENVENIDOS AL RINCÓN DEL ROCK & BLUES

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    Ronnie Earl & The Broadcasters - Peace Of Mind (1990)

    Ronnie Earl es un guitarrista de blues, jazz y soul estadounidense. Su fraseo y su forma de ejecución, elegante y sentida, mezclando el sonido del blues (principalmente con el estilo de Chicago y Texas) con improvisaciones propias del jazz, le sitúan como uno de los grandes instrumentistas actuales del blues.

    La relación de Earl con la música pudo iniciarse temprano (sus padres intentaron que aprendiera piano con diez años), pero la disciplina exigida por el aprendizaje le repelía. Hasta diez años más tarde, durante su estancia en la Universidad de Boston, no mostraría un serio interés por la música, que en esta ocasión vendría dado por el blues.

    En 1973, estando en tercer año de carrera universitaria, tuvo ocasión de escuchar a Muddy Waters en un club de la ciudad. Compró una guitarra acústica, que inmediatamente cambió por una Fender Stratocaster, e inició una intensa práctica que le llevó a dominar el instrumento en un tiempo relativamente corto.

    Empezó a frecuentar a los grandes bluesmen que llegaban a Boston (cuando estaban en la ciudad, compartía apartamento con Otis Rush y Big Walter Horton). También viajó a Chicago, donde pasó un tiempo con Koko Taylor, que le introdujo en el ambiente del blues local.

    En 1979, Earl fue invitado a unirse al grupo Roomful of Blues en sustitución de Duke Robillard, fundador del mismo. El jump blues revivalista practicado por el conjunto precisaba de cierta sensibilidad jazzística a la vez que de un intenso sentido del blues, y pareció encontrar ambas virtudes en Earl.

    Comienza así una colaboración de ocho años que significarían mucho más en la vida de Earl. En el campo profesional, el reconocimiento a nivel nacional como brillante guitarrista se une a una escalada creativa que, como compositor, le llevará a la necesidad de encontrar cauces para expresar su música con voz propia.

    El renombre de Roomful como banda de blues iba en aumento, lo cual provocó que fueran solicitados para grabar como grupo de acompañamiento de auténticas leyendas de la música, como Eddie "Cleanhead" Vinson en el disco "Eddie Cleanhead Vinson and Roomful of Blues" (1982), Big Joe Turner en "Blues train" (1983) o Earl King en "Glazed" (1988); todas estas grabaciones fueron nominadas para los premios Grammy, lo que hizo que la fama de Roomful of Blues rebasara los límites del género para hacerse cierto nombre en el mercado de la música convencional.

    En 1988 Earl formó oficialmente the Broadcasters con intención de continuidad. El grupo tomó el nombre de la primera guitarra fabricada por Fender. Ese mismo año realizaron su primer álbum, "Soul searchin'", seguido por "Peace of mind" en 1990, y seguida de muchos mas éxitos hasta el día de hoy.

    Hound Dog Taylor - Beware Of The Dog (1976)


    Theodore Roosevelt Taylor, bautizado así en honor al presidente de Estados Unidos, Theodore Roosevelt "Hound Dog" Taylor fue un guitarrista y cantante estadounidense de blues de Chicago. Taylor nació en Natchez, Mississippi en 1915 (aunque algunas fuentes dicen 1917). En un principio empezó tocando el piano, pero comenzó a tocar la guitarra cuando tenía 20 años, realizó algunas apariciones en el programa radial King Biscuit Time, que transmitía Sonny Boy Williamson desde Helena, Arkansas. En 1942 se mudó a Chicago y se convirtió en uno de los artistas favoritos de las zonas sur y oeste de la ciudad.

    Se convirtió en un músico a tiempo completo alrededor de 1957, pero se mantuvo desconocido fuera de la zona de Chicago, donde jugó en pequeños clubes de los barrios negros y también en el famoso mercado de la calle Maxwell. Hound Dog era conocido por su estilo electrificado de guitarra slide muy semejante a la de Elmore James y sus ritmos de boogie estridentes. También fue famoso entre los bluesman de la guitarra por tener seis dedos en su mano izquierda. 

    Las llamaradas que salían de su guitarra fueron reconocidas de inmediato como una aproximación a la fiereza del blues más enraizado. En 1970 Bruce Iglauer, quien en ese momento era empleado de envíos de Delmark Records, escuchó a la banda en el Florence’s Lounge de Chicago. Al no poder lograr que Delmark contratara a Taylor y sus Houserockers, tomó 2.500 dólares de su herencia, los grabó y creó Alligator Records en 1971. Esta grabación hizo que Hound Dog Taylor & The Houserockers tuviera reconocimiento a nivel de Estados Unidos y saliera de gira con artistas como Muddy Waters, Freddie King y Big Mama Thornton.

    Su carrera artística, sin embargo, fue fugaz como una estrella, y así tras girar con Muddy Waters y Freddie King, graba Natural Boogie en 1973. Dos obras maestras imperfectas, llenas de novedades formales, con sacudidas capaces de remover a Robert Johnson en su eterno descanso. Uno de los más imperecederos manjares que uno pueda llevarse a las orejas. 

    El álbum de Hound Dog Taylor and The Houserockers "Beware Of The Dog" fue puesto en libertad por la etiqueta P-Vine, y fue grabado en vivo en 1974, pero se editó poco después de la muerte de Taylor, ocurrida el 17 de diciembre de 1975 debido a un cáncer de pulmón. Cuenta con Taylor en la guitarra y voz. Además, el álbum cuenta con banda de toda la vida de Taylor; Brewer Phillips en la guitarra (quien se encargaba de hacer las líneas del bajo), y Ted Harvey en la batería. 

    La banda se hizo muy popular en el área de Boston, donde Taylor inspiró a un joven discípulo llamado George Thorogood. Hound Dog Taylor fue la inspiración para el sonido genuino del sello Alligator, un credo que su fundador intenta mantener hoy día. Aunque Taylor no fuera el mejor de los guitarristas, su música tenía mucho ritmo, mucho sabor y como muchos han dicho después de su muerte, podía tocar basura pero la hacía sonar muy bien.

    Thunderhawks - Thunderhawks (2005)

    Los Thunderhawks fueron una tremenda banda liderada por Tony Sarno, y contó con las guitarras de Sarno y Eddy Shaver, hijo del legendario Billy Joe Shaver. Su música se clasifica más apropiadamente como Hard Rock con sabor a Southern Rock, cargado con las dos voces tipo "Bon Scott" y con dos poderosas guitarras. Keith Christopher en el bajo y un más que agradable Rick Donnelly en la batería, suministra una sección de ritmo de conducción y que complementa perfectamente a Sarno y Shaver. Las habilidades de escritura de las canciones compuesto por la banda eran puro genio y la energía era alta.

    El 31 de diciembre de 2000, Eddy Shaver dejó este mundo a la edad temprana de 38 años. Aparte de la tragedia personal de su terrible pérdida, la muerte de Eddy Shaver también puso fin a la carrera temprana y corta de Thunderhawks, lo que habría sido sin duda una banda de gran éxito. Su única grabación casi se desvaneció en la oscuridad, pero, gracias a los esfuerzos de Tony Sarno tenemos este tesoro absoluto, titulado simplemente los Thunderhawks. 

    La portada del CD es de color negro muy simple, muy apropiadamente sólido con "Thunderhawks" en letras blancas, al igual que la cubierta posterior, que muestra una lista de canciones con el mensaje inquietante "RIP" por encima de las iniciales "ES".

    Pero, en medio de las cubiertas se encuentran 10 pistas excelentes, que cualquier fan de Tony Sarno encontrará como un conjunto que debe poseer. Sarno, normalmente es el principal guitarrista en sus bandas y da paso a un buen trabajo de la guitarra de Eddy Shaver, mientras que Tony se concentra en el suministro de voces al tiempo que añade una buena dosis de guitarra rítmica. 

    Los Thunderhawks nos llevan de la mano con baladas y canciones de amor en este disco, pero están preparados para convertir ésto a medida que circulan por la autopista con las ventanas bajadas y a todo volumen en un viaje eléctrico. Esta música es algo así como mezclar los "ZZ Top con AC / DC".

    J.J. Cale - Anyway The Wind Blows (1997)

    John Weldon Cale nació en Oklahoma City, más conocido como J.J. Cale, el fue un músico y compositor estadounidense y uno de los fundadores del sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, del rockabilly, del country y del jazz. El estilo personal de Cale ha sido descrito a menudo como «relajado» y sus canciones han sido ampliamente versionadas por artistas como Eric Clapton, Phish, Jerry García, Waylon Jennings, Lynyrd Skynyrd, John Mayer y Bobby Bare.

    Creció en Tulsa, Oklahoma y se graduó en la escuela secundaria en 1956. Junto a otros músicos jóvenes de Tulsa, Cale se trasladó a Los Ángeles a comienzos de la década de 1960, donde comenzó a trabajar como ingeniero de sonido en diferentes estudios. Debido a su poco éxito como artista, regresó a Tulsa y consideró abandonar la industria musical hasta que Eric Clapton versionó «After Midnight» en 1970. Su primer álbum, Naturally, estableció su propio estilo musical, descrito por Richard Cromelin en Los Ángeles Times como «un híbrido único de blues, folk y jazz, marcado por surcos relajados, la guitarra fluida de Cale y una voz lacónica. Su uso temprano de cajas de ritmos y su mezcla poco convencional dio una calidad distintiva y atemporal a su trabajo y lo situó aparte del paquete del purismo musical de las raíces del americana». En 2013, Neil Young comentó que de todos los músicos que había escuchado, Cale era, junto a Jimi Hendrix, el mejor guitarrista eléctrico.

    Algunas fuenten citan incorrectamente su nombre real como Jean-Jacques Cale. En el documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, el músico habló sobre Elmer Valentine, copropietario de la discoteca Whisky a Go Go de Sunset Strip, quien lo contrató a mediados de la década de 1960 y fue el responsable del acrónimo JJ para evitar confusión con John Cale, miembro de Velvet Underground.

    Su mayor éxito en los Estados Unidos, "Crazy Mama", alcanzó el puesto 22 en la lista Billboard Hot 100 en 1972. En el documental To Tulsa and Back, Cale relató que recibió una oportunidad para aparecer en el programa American Bandstand para promocionar la canción. Cale declinó la oferta cuando supo que no podía llevar a su grupo que tenía que cantar en playback.

    Cale también fue conocido por su rechazo y aversión al estrellato, a las giras largas, y a las grabaciones periódicas. Fue un artista de culto para los músicos, y relativamente desconocido para el público durante los últimos 35 años.

    El lanzamiento de su álbum To Tulsa and Back en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en 2006 y el estreno del documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, acercaron su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el Grammy al mejor álbum contemporáneo de blues en la 50ª edición de los premios en 2008.

    El 26 de julio de 2013, Cale falleció en el Scripps Hospital de La Jolla, California, a consecuencia de un ataque al corazón.

    Kirk 'Eli' Fletcher - I'm Here and I'm Gone (1999)

    Kirk Eli Fletcher nació en Bellflower, California, E.E.U.U. Kirk comenzó a tocar la guitarra a los ocho años, después de ver a su hermano Walter tocar en la iglesia de su padre. A los doce años asistió al Festival de Long Beach Blues donde vio la talla de Albert Collins, Bobby Blue Bland, (acompañado por Wayne Bennett) y The Staple Singers. Esta fue una experiencia que le cambio la vida para él cuando se dio cuenta que esta era la música que quería tocar.

    Kirk Fletcher tiene una reputación como intérprete de los buenos que no puede fallar. Su estilo de tocar la guitarra y de cantar nunca deja de provocar escalofríos, y su enfoque único para el blues es a la vez refrescante, moderno y totalmente auténtico. Ampliamente considerado como uno de los mejores guitarristas de blues en el mundo, y desde la humildad y el respeto ha ganado la aclamación de los críticos, compañeros y aficionados de todo el mundo. Kirk es una concesión de la música de los blues y ha jugado con una variedad de artistas populares, entre ellos Joe Bonamassa y un papel de tres años como guitarrista de The Fabulous Thunderbirds. Kirk es también el líder de su propia banda The Kirk Fletcher, después de haber lanzado tres álbumes de estudio y un álbum en vivo. 

    Fue en los próximos años que se produjo la introducción completa de Kirk al blues tradicional. Comenzó la búsqueda de otros músicos que compartieron esta misma comprensión, y se encontró con Al Blake, cantante y arpista de Hollywood Fats Band. Al Blake también le ayudó a establecer conexiones con otros artistas de blues famosos de la costa oeste como Junior Watson y Richard "Lynwood Slim" Duran. Así seguido de sus primeros conciertos de Kirk como guitarrista de blues, y finalmente, la grabación de su primer disco "I’m Here & I’m Gone" para el sello JSP de Inglaterra.

    Al Blake también introduciría a Kirk en la banda de Kim Wilson and The Fabulous Thunderbirds, quien lo invitó a pasar a su proyecto: The Kim Wilson’s Blues Revue. Wilson trajo a Fletcher aún más en la familia de los blues de California a Texas, y luego ha salir de gira por todo el mundo. 

    Un punto culminante durante este tiempo fue en la noche del Antone’s Night Club 25th Anniversary en Austin, Texas, que dio a Kirk la oportunidad de realizar los blues con sus héroes Pinetop Perkins, James Cotton y Hubert Sumlin. Wilson también colaboro con Kirk para jugar en su nominacion al Grammy por el álbum en vivo "Smokin’ Joint". Poco después, le vino una llamada para colaborar con la leyenda del blues Charlie Musselwhite, confirmando que Kirk se estaba convirtiendo para la mayoría en uno de los guitarristas de blues del momento.

    Su tercer álbum titulado "My Turn" lanzado por el sello Eclecto Groove fue una declaración audaz hasta el momento, sino que también fue la primera interpretación vocal de Kirk. Esto le permitió crecer y explorar como músico y compositor, sin embargo no tiene miedo de abrir nuevos caminos. Desde entonces, ha estado cantando y llevando su propia la Kirk Fletcher Band.

    Dos veces nominado al premio WC Handy y una nominacion a los premio de blues británico del 2015. Ha estado de gira con Lynwood Slim, Janiva Magness, Charlie Musselwhite and The Fabulous Thunderbirds, as well as performing with James Cotton, Pine Top Perkins, Hubert Sumlin, Mojo Buford, Ted Harvey, Larry Carlton, Robben Ford, Michael Landau, Elvin Bishop, Ronnie Earl, Doyle Bramhall, Michelle Branch y muchos más... 

    Es considerado uno de los mejores guitarristas jóvenes en la escena del blues en la actualidad.

    George "Harmonica" Smith - Blowing the Blues (1960)

    George Smith nació el 22 de abril de 1924 en Helena, AR, pero se crió en El Cairo. A los cuatro años, Smith ya estaba tomando lecciones de arpa con su madre. En su adolescencia, comenzó alrededor de las ciudades en el sur y más tarde se unió a Early Woods, una banda de país con Early Woods en el violín y Curtis Gould en a la batería. También trabajó con un grupo de gospel en Mississippi llamados The Jackson Jubilee Singers.

    Smith se trasladó a Rock Island, Illinois, en 1941 y jugó con un grupo que incluía Francis Clay en la batería. Hay pruebas de que él fue uno de los primeros en amplificar su arpa. Mientras trabajaba en el teatro Dixie, sacó un viejo proyector de cine de 16 mm, extrajo el amplificador y el altavoz y comenzó a usar esto en las calles.

    Sus influencias incluyen a Larry Adler y más tarde Little Walter. Ha Smith le llamaban a veces a sí mismo como Little Walter Jr. o Big Walter. Tocó en varias bandas, incluyendo con un joven guitarrista llamado Otis Rush, y más tarde se fue de gira con the Muddy Waters Band, después de reemplazar Henry Strong.

    En 1954, se le ofreció un trabajo permanente en la Sala "the Orchid Room" en Kansas City, donde, a principios de 1955, Joe Bihari de Modern Records (en un viaje de exploración), escuchó a Smith, y hizo que firmara con Modern Records. Estas sesiones de grabación fueron liberadas bajo el nombre de Little George Smith, e incluyeron "Telephone Blues" y "Blues in the Dark". Estos registros fueron un éxito.

    Smith viajó de gira con Little Willie John y Champion Jack Dupree en uno de los atractivos y recorridos Universal del blues. Mientras en la gira, Smith grabó con Champion Jack Dupree en noviembre de 1955 en Cincinnati, la producción de "Sharp Harp" y "Overhead Blues". La gira terminó en Los Ángeles y Smith se estableció para pasar el resto de su vida en esta ciudad.

    En los últimos años de los 50 grabó para el sello J & M, Lapel, Melker, y Caddy bajo los nombres de Harmonica King o Little Walter Junior. También trabajó con Big Mama Thornton en muchos programas.

    En 1960, Smith conoció al productor Nat McCoy que poseía la disqueteras Soloplay y Carolyn labels, con el que grabó diez sencillos bajo el nombre de George Allen. En 1966, mientras que Muddy Waters estaba en la costa oeste de gira, le pidió a Smith unirse a él, y trabajaron juntos durante un tiempo, la grabación para Spivey Records.

    De "Smith's" fue su primer disco para World Pacific, un tributo a Little Walter que fue lanzado en 1968. En 1969, Bob Thiele produce un excelente disco en solitario de Smith en Bluesway, y posteriormente hizo uso de Smith como acompañante para su sello Blues Times, incluyendo a T-Bone Walker y a Harmonica Slim. Smith se reunió con Rod Piazza, un joven jugador blanco del arpa y formaron la banda the Southside Blues Band, más tarde conocidos como Bacon Fat.

    En 1969, Smith firmó con el productor británico Mike Vernon e hizo el álbum "No Time for Jive". Smith fue menos activo en la década de 1970 que aparecen con Eddie Taylor y Big Mama Thornton. Alrededor de 1977, Smith se hizo amigo de William Clarke y empezaron a trabajar juntos. Su relación de trabajo y amistad continuó hasta que Smith murió el 2 de octubre de 1983.

    William Clarke escribio de Smith "Tenía una técnica en el arpa cromática donde jugaba dos notas a la vez, pero una octava aparte. Se ponía un sonido de tipo de órganos al hacer esto. George sabía cómo hacer que sus notas fluyeran, y tomándose su tiempo dejaba que la música se desplegara fácilmente. También se puede matar como un loco y era un artista de primera clase. He oído de un amigo que habían visto a George Smith en los años 50 jugando en un club de Chicago, tocando claqué alrededor de las bebidas de todo el mundo en la parte superior de la barra con su arpa".

    "He estado con él en la iglesia y visto jugar la armónica amplificada por sí mismo. Esto fue muy emotivo. Nunca he oído George reproducir una canción de la misma manera dos veces, era muy creativo y lo transmitia directamente de su corazón. Admiraba a todos los grandes músicos, pero tenía su propio sonido y estilo."

    "George Smith admiraba mucho al armonicista Larry Adler, y aunque Adler utilizó la técnica de la octava en el arpa, George era realmente la persona que desarrolló esta nota en todo su potencial. Antes del Sr. Smith, nadie en el blues había utilizado esta técnica de octava." 

    "Un hombre extremadamente amable y gentil, George siempre hizo todo lo posible para ayudar a otros jugadores de la armónica, a todo el mundo le gusta George Smith. Él jugó un papel muy importante en el avance de armónica en los blues y nunca debe ser olvidado." Se puede escuchar la influencia de George Smith en la mayoría de todos los que juegan con la armónica blues hoy en día, ya sea directa o indirectamente. "es un hecho que ha inspirado a muchos a recoger armónicas diatónicas y aprender a jugar con ellos.

    George "armónica" Smith murió en 1983, en Los Ángeles, California, a la edad de 59 años.

    Stevie Ray Vaughan - In The Open (1979)

    Stephen Stevie Ray Vaughan fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros de blues y el rock en la década de 1980. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas de blues como Albert King, Jimi Hendrix, Freddie King, Buddy Guy u Otis Redding. La revista Rolling Stone lo cita en el lugar n.º 12 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. También se convirtió en elegible para el Rock and Roll Hall of Fame en 2008. La revista Guitar World lo clasificó como n.º 8 en su lista de los 100 guitarristas más grandes. 

    A los siete años tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalaron una de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack, quien resultaría un importante referente para Vaughan. Lo escuchó tantas veces que su padre lo terminó rompiendo (por envidia, puesto que él era un músico frustrado). 

    Stevie continuó tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entró a la escena del blues en Austin, Texas. En un amor de verano de 1970 formó su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 dejó la secundaria y se mudó a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue". 

    Hacia septiembre de 1977 Stevie Vaughan formó su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Posteriormente, en 1985, se uniría un cuarto integrante a la banda, Reese Wynans, un virtuoso teclista. 

    Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival. 

    El 27 de agosto de 1990, poco antes de la 1:00 de la madrugada, un helicóptero que llevaba a Stevie Ray Vaughan de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Mueren las cinco personas que iban a bordo. En una investigación posterior donde se esclarece que el accidente se debió a un error del piloto. 

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